Lorenza Sannai
English/Italian
It is a privilege to undertake this reading as an opportunity to draw some connections of an urgent, inevitable and fertile artistic impulse. A personal interpretation operating on the ever more treacherous terrain of contemporary art analysis. At the same time, an impassioned challenge, advancing towards a " fusion of horizons" through a discipline which, instead of evaporating into the ideological ether, demonstrates the validity of methodological juxtaposition required by the material itself.
It is painting.
Emotion, expressed through variations of light and colour on a surface - a theoretical certainty that speaks of truth: a window of disciplined colours on portions of vanquished space, where geometry and perspective come to an accord on their proportional relationship, not because of transitions and nuance.
It is communication.
Trasnsforming intuition to convey a revelation of nature and its meaning.
It is a spiritual condition.
Chromatic diversities, in simultaneous reactions to space and luminosity, exist side by side in a place and a time to relive from afar the artistic vocation of another life. Even within their entangled relationship with art, they live their identity as woman and nature, seeking the relationship between the all and colour.
Lorenza Sannai intervenes on diverse materials following a flow of thoughts translated into images and narrating through the study of the plane.
Drawing is the foundation. She composes it seeking a perfect balance controlled by the creatures she evokes, leaving them free to choose the forms in which they appear, heedless of the opinion of their creator and absolutely autonomous in choosing the dimensions of their development.
Space is an illustrious stranger.
We can not manage to see it, perceive it, listen to it. It envelopes us, we are part of it yet we do not know it. We realize that to convey it through the repetition of a flowing, reflecting and rotating chromatic diagram the artist's technical mastery can no longer be the only aim. Overcome by a desire she probably never even suspected, lead on by ideas and fascinating concepts, Lorenza Sannai recomposes her memories. Impossible to use words, as they are not simple thoughts but mental images that can only be understood once they have been translated into visual images. Developing a mental image is a very different task from developing a visual image, it is an effort aimed at reaching a perfection that torments the soul, perfection captured by the inner eye.
But the time comes.
The search manages to shape the perfect form of a highly detailed dream and culminates in a sense of relief at the conclusion, when the soul can finally rest while the hands complete the work.
In painting, plunging into the infinity of space and time calls for opposition to immobility. The subdivision of the universe occurs in compartments repeating in a succession of closed, abutting forms. They are mutually defined, filling the surface to the limit in every direction: a division that captures the infinite, "imprisoning" it in an "enclosed" composition. What is thus born - though circumscribed and confined - extends in every direction as if it were a fragment of a boundless artwork made of shattered pieces of continuous spaces: the conjunction of united and coordinated surfaces.
Why?
In that magic place where light lends colour an unusual splendour, the intention is to reach open and limitless spatiality through the colour's luminous, irradiating or absorbent qualities, in a manner that reveals them as only partial agents of that extraordinary dimension that opens out before our eyes. The miracle occurs in the relationship aroused in the human soul that contemplates, the emotion experienced, the feeling produced.
And this is what happens.
Being a poetic idea stemming from more than one single impulse it leads to the ambiguity of artistic forms ascribable to heterogeneous experience. Hereinafter, it will be subject to the continuous changes of interpretation which such forms undergo with every generation that takes possession of them. Representation is what is actually seen, but above all, it is what is known about things: the expression of an art that subjects visual impression to conceptual correction derives only in part from the observation of nature, for the most part it overlaps with its image.
And the transformation occurs.
Gradually, an expression is born from the metamorphosis that completely forsakes fidelity to what is natural. It evolves through extreme concepts expressed in combinations of the expressive means the artist knows and displays in unnaturally large correlations, corresponding to the spiritual importance and the supernatural fate of the "figures". Figures that once took shape in "reverse perspective", being faithful to actual appearance, and not by mistake, but because it was the only illustration suitable to their representation of characters arranged in order of importance. And what we have today are also figures, geared toward creating images of the world that reach a systematic and unitary character through addition - ideal in their illusion of a new intellectually free and sentimentally spontaneous harmony.
And the correlation is unavoidable.
My thoughts now go to the central panel of Giovanni Bellini's Pesaro Altarpiece (after 1470), the central panel of Hugo Van der Goes' Portinari Triptych (c.1476), or the Retablo in Castelsardo Cathedral, Sardinia, our artist's place of origin, the splendid Madonna and Child Enthroned by the Master of Castelsardo, presumed to be Gioacchino Cavaro - the exact date is unknown but it is probably from the end of the 15th century. By analogy these are the first works that come to mind, we could add others which, not unlike these, have the power to continue to be reborn through new interpretations and critical evaluations.
Crossing the plan of centuries and the links between one woman's artistic vocation and the expression of the same woman in her full humanity. Painting that coincides with a profound way of existing and breathing life into painting, where colours fill space like a reconciliatory rainbow scrutinising the dynamic nature of the soul and its conflicts, the capacity to gain freedom through a sense of living beauty.
An ideal configuration: a conscious new harmony in opposition to contemporary conventions.
Elena Alfonsi, August 2016
Il privilegio di un esercizio di lettura, mi offre l'occasione di comporre alcune congiunzioni di un urgente impulso artistico, inevitabile, generante. Un'interpretazione personale sul terreno sempre più accidentato dell'analisi dell'arte contemporanea, ma al contempo, la sfida più appassionante per avanzare verso il punto di "fusione d'orizzonti" attraverso una disciplina che, anziché svaporare nel cielo delle idee, mostri la validità di accostamenti metodologici, richiesti dalla materia stessa.
E' pittura.
Un sentimento espresso nella modulazione della luce e del colore sulla superficie, una certezza teoretica che parla di verità. Finestre di colori disciplinati nelle porzioni di spazio conquistate, dove geometria e prospettiva accordano per proprio rapporto proporzionale e non per trapassi e sfumature.
E' comunicazione.
Trasformazione dell'intuizione in rivelazione della natura e del suo significato.
E' condizione spirituale.
Diversità cromatiche, nel loro concorde reagire allo spazio e alla luminosità, esistono insieme in un luogo e in un tempo per rivivere a distanza nella vocazione artistica di un'altra vita, pur nelle proprie aggrovigliate relazioni con l'arte, nell'identità di donna e natura alla ricerca della relazione tra il tutto e il colore.
Lorenza Sannai interviene su materiali diversi seguendo un flusso di pensieri tradotti in immagini e raccontando attraverso lo studio del piano.
Alla base è il disegno, che compone ricercando il perfetto equilibrio controllato dalle creature che evoca, lasciandole libere di scegliere le forme in cui apparire, sorde dell'opinione di chi le crea e assolutamente autonome sulla scelta delle dimensioni del loro sviluppo.
Lo spazio è un illustre sconosciuto.
Non riusciamo a vederlo, a percepirlo, ad ascoltarlo. Ci avvolge, ne facciamo parte ma non lo conosciamo e comprendiamo che, per riuscire a comunicarlo nella ripetizione di un diagramma cromatico per scorrimento, riflessione, rotazione, la padronanza tecnica dell'artista non può più essere l'unico scopo. Colta da un desiderio di cui probabilmente non avrebbe mai sospettato l'esistenza, presa da idee e da concetti affascinanti, Lorenza Sannai ricompone i ricordi. Impossibile sarebbe stato utilizzare le parole perché non semplici pensieri, ma immagini mentali comprensibili soltanto una volta tradotte in immagini visive. Lo sviluppo di un'immagine mentale è un lavoro molto diverso dallo sviluppo di un'immagine visiva, perché richiede sforzo per tendere a raggiungere la perfezione che tormenta l'anima, quella perfezione registrata con l'occhio interiore.
Ma il momento arriva.
La ricerca riesce a plasmare la forma perfetta di un sogno dettagliato che culmina con un senso di sollievo alla conclusione dell'opera, quando l'anima può finalmente riposarsi mentre le mani completeranno il lavoro.
Un tuffo nell'infinito spaziale e temporale prevede in pittura un'opposizione all'immobilità. La suddivisione dell'universo avviene in compartimenti che si ripetono in una successione di forme chiuse, confinanti, che si definiscono reciprocamente riempiendo la superficie in ogni direzione fino al suo limite. Una divisione per catturare l'infinito "imprigionandolo" in una composizione "chiusa". Ciò che nasce, pur delimitato, racchiuso in un confine, si muove in ogni direzione come fosse il frammento di un'opera senza fine composta da frantumi di spazi in continuità: la congiunzione reciproca di superfici unite e coordinate.
Perché?
In quel luogo magico in cui la luce dà ai colori uno splendore inconsueto, l'intenzione è quella di raggiungere una spazialità aperta, illimitata, risultante dalle qualità luminose, irradianti o assorbenti del colore che non dimostrano essere aspetti fondamentali dello straordinario che si apre ai nostri occhi. Il miracolo avviene nella relazione suscitata dall'animo umano che li contempla, nell'emozione che provocano, nel sentimento che producono.
Ed ecco cosa accade.
E' un'idea poetica proveniente da più di un unico impulso che dà vita all'ambiguità di una forma artistica ascrivibile all'etereogenità delle esperienze, e che da questo momento è offerta al continuo mutamento d'interpretazione a cui queste forme saranno sottoposte da ogni generazione che ne prenderà possesso. La raffigurazione è ciò che realmente si è visto, ma soprattutto è ciò che si sa delle cose, espressione di un'arte che sottopone l'impressione visione a una correzione concettuale che solo in parte risulta dall'osservazione della natura, ma perlopiù si sovrappone alla sua immagine.
E la trasformazione avviene.
A poco a poco dalla metamorfosi nasce l'espressione dell'oggetto che rinuncia totalmente alla fedeltà al naturale evolvendo in concetti-limite espressi nelle combinazioni dei mezzi espressivi che l'artista conosce e manifesta in rapporti innaturali di grandezze, corrispondenti all'importanza spirituale e al destino soprannaturale delle "figure". Figure che un tempo, fedeli all'aspetto del reale, erano configurate anche in "prospettiva inversa", e non per errore, ma poiché quella era l'unica descrizione adeguata alla loro rappresentazione di personaggi in subordine. E sono figure anche quelle di oggi, tese a comporre immagini del mondo, che raggiungono per addizione un carattere sistematico e unitario, ideale nell'illusione di una nuova armonia intellettualmente libera, sentimentalmente spontanea.
Ed è imprescindibile la correlazione.
Rivolgo ora il pensiero al pannello centrale della "Pala di Pesaro" di Giovanni Bellini, databile oltre il 1470, al pannello centrale del "Trittico Portinari" di Hugo van der Goes databile circa al 1476 e oltre, ancora più avanti nel tempo e proprio nella terra d'origine di questa artista, la Sardegna, nel Retablo del Duomo di Castelsardo, guardando a una splendida Madonna con bambino assisa in Trono del Maestro di Castelsardo, il presunto Gioacchino Cavaro la cui data di realizzazione rimane ancora incerta ma ipotizzabile alla fine del XV sec. Queste sono le prime opere giunte alla mia memoria per associazione analogica, ma alle quali potremmo aggiungerne altre che non diversamente da queste, posseggono la forza di continuare a rivivere nelle nuove interpretazioni e nei nuovi giudizi critici.
Distanze secolari e ricongiungimenti tra la vocazione artistica di una donna e l'espressione di quella stessa donna nella sua interezza umana. Un dipingere che coincide con un modo profondo di esistere e di dare sostanza pittorica, dove i colori scorrono nel trattamento dello spazio in un arcobaleno di riconciliazione nell'indagine della natura dinamica dell'anima, dei suoi conflitti, della capacità di liberarsene con il senso di vivere nella bellezza.
Una configurazione ideale: la nuova armonia consapevole contro le contemporanee convenzioni.
Elena Alfonsi, Agosto 2016